Mantenerse en plena forma tras haber cumplido el medio siglo se ha convertido en algo completamente normal. Hace ese mismo tiempo, algo o alguien que hubiera cumplido los cincuenta ya estaba considerado como que había alcanzado el límite de lo vitalmente correcto. A partir de ahí se pasaba a formar en el escuadrón de la vejez, de lo amortizado. Ese supuesto hoy ni se plantea ya que los 50 equivalen a estar en la flor de la vida, que es una expresión cursi como pocas, pero que sirve para que todos nos entendamos. En esa edad en la que antiguamente comenzaba a vislumbrarse el precipicio, hoy ni siquiera han aparecido los achaques. Por lo general, quien ha cumplido los 50 está en el mercado sin ninguna tara que haga disminuir su valor. Como decía el personaje zarzuelero es que “hoy las ciencias adelantan que es una barbaridad”.

En otros aspectos, el paso del tiempo es algo que se deja sentir desde que ha transcurrido un breve periodo de tiempo. También puede ocurrir que sea eso lo que nos parece o lo que nos hacen creer quienes promueven el consumo. Hace poco más de una década un coche que había cumplido un lustro daba que pensar en su pronta sustitución porque “estaba viejo”. Ocurría, naturalmente, que nuestras posibilidades económicas o la confianza que nos desvelaba nuestro banco hacían posible ese pensamiento. En la actualidad, el banco no se fía en absoluto de la seguridad que nuestra nómina pueda ofrecer y el calcetín de casa está completamente vacío, con lo que el coche aprende a cumplir años y además cargado de elogios por nuestra parte. “Para qué lo voy a cambiar si va muy bien; no me ha dado ningún problema en los casi 300.000 km que tiene. Bueno, lo normal, algún que otro achaque, pero está para recorrer otros tantos”.Ni el coche se cree tantos piropos a su cuerpo maltrecho ni tampoco nosotros vocalizamos demasiado bien para hacer el panegírico no sea que nos escape la risa.

En el cine ocurre otro tanto con respecto al tiempo. Hay películas que antes de estrenarse ya han pasado a formar parte del olvido. Otras –la mayoría de las españolas– que, por su trama, se convierten en viejas desde el primer momento porque viejo es el asunto que tratan: la Guerra Civil una vez, otra, otra, otra más; siempre vistas desde el mismo ángulo que es como se consiguen las subvenciones que es algo en lo que sus promotores creen mucho más que en el cine.

Hay otras cintas que pertenecen al pasado y que se conservan como documento histórico de un arte que comenzó a serlo el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Lumière proyectaron los resultados de su primer trabajo. Hoy son consideradas incunables y son analizadas bajo el prisma de la investigación apreciando el desarrollo que el arte y la industria cinematográficos han experimentado en el largo siglo que nos separa de su invento. Muchos de esos títulos se conservan en las cinematecas conformando la historia del cine, mientras que otros, que en su momento alcanzaron el éxito, se fueron quedando en el camino.

La mayoría de aquellos antiguos largometrajes que ya han superado el medio siglo de vida, tienen olor a naftalina y se los contempla como documentos de una época o de la misma historia del cine. Muy pocos son los que sobreviven y los que superan el paso del tiempo conservando su frescura original. Uno de ellos, que este año cumple los 50, lo hemos visto en nuestra infancia, en nuestra juventud y lo seguimos viendo en la actualidad cuando alguna cadena televisiva lo programa, sin necesidad de que nuestros nietos nos acompañen como justificación. La alegría infantil y la inocencia que transmiten sus imágenes, la calidad de la película y su humor son aspectos totalmente válidos para que nos sintamos atraídos, una vez más, por la niñera Mary Poppins.

Su productor, Walt Disney, mezcló actores con dibujos animados y convirtió en musical la obra escrita 30 años antes por la escritora australiana Pamela Lyndon Travers, en la que se basó para realizar la película. Siguieron a su primera obra literaria otras cinco que tenían como protagonista a la famosa niñera y el cine se interesó por ellas, pero la autora no dio su autorización al considerar que el espíritu del personaje no se había respetado. Quizá sea mejor así, porque las sagas acaban aburriendo.

La película dejó muy claro desde el primer momento que nacía con vocación de éxito, como se demostró con la gran cantidad de nominaciones que tuvo para obtener el Óscar y que alcanzó a su protagonista, Julie Andrews, como mejor actriz, incluso siendo prácticamente su debut en la gran pantalla aunque no en la experiencia actoral ya que procedía del teatro. El mismo galardón fue para el montaje, para la mejor banda sonora, para los efectos especiales y para la mejor canción original hoy conocida por toda clase de público sin consideraciones de edad: “Chim Chim Cheree”

No es éste el único fragmento musical que se popularizó ya que hasta el trabalenguas supercalifragilisticoespialidoso son capaces de vocalizarlo hasta los más pequeños, tanto de hace 50 años como de ahora sin distinción de idioma, siempre con el reflejo original de Julie Andrews, incluso de las muchas versiones que de él se han hecho para la música de los hermanos Robert B. y Richard M. Sherman quienes, por si no fuera bastante con este título, también pusieron música a “El libro de la selva”, “Winnie the Pooh” o “Chitty Chitty Bang Bang”, entre otras. El citado trabalenguas supone todo un mensaje en el contexto de la película ya que su pronunciación equivale a inculcar valores y mirar el mundo con alegría. Los autores de los recientes y violentos desastres personales y urbanos en Madrid, es muy posible que no hayan visto de pequeños esta película, ni leído un libro, ni escuchado un concierto sencillo, y de ahí las consecuencias

La niñera dueña de poderes mágicos y su amigo Bert –Dick Van Dyke– conservan intacto el color con el que fueron creados hace 50 años, conservan su alegría contagiosa, la limpieza de sus voces, la flexibilidad cuando se mueven, los valores musicales por encima de ritmos que llegaron más tarde… conservan el sabor de lo auténtico demostrando que no es necesario remover nada ni hurgar en escondites más o menos preparados en busca de lo impactante que a la mayoría no impacta por carencia de autenticidad. El cine como el que nos muestra “Mary Poppins” y otros muchos títulos que no sólo han alcanzado los 50 sino más, pero en el que únicamente ha imperado el deseo de hacer arte, para cualquiera de los públicos a que fuera dirigido, es cine que nunca morirá, que siempre se mantendrá fresco y que, en definitiva, es parte de la historia del séptimo arte.

Estas coletillas casi nunca transmiten el verdadero sentido de su propósito y tan sólo alcanzan al entendimiento de quienes están versados en las definiciones absurdas tantas veces y cuando menos estrambóticas; por lo menos, limitadas a la comprensión de quienes únicamente alcanzan al entendimiento de lo abstracto prescindiendo de lo real.

Son muchos los que enfocan su comportamiento social y cultural por esos derroteros y que incluso rechazan el realismo. Ocurre en la pintura, en la música, en la literatura, en todas las artes, pero sobre todo en lo cinematográfico. Cuanto más enrevesada y de difícil comprensión es la película mayor es el número de defensores. Por lo menos en la pública manifestación, que en lo íntimo suele ser otra cosa.

“El mago de Oz” ha sido, de siempre, una película agradable de ver dadas sus características que se nos antojaban infantiles aunque, quizá, no lo fueran tanto. Es todo un clásico de la historia del cine.

Se cumplen ahora 75 años de su estreno y la película, al margen de aspectos técnicos, conserva todos sus valores estéticos y satisface en todo lo que el espectador demanda de ella que en nada difiere de los propósitos con que fue adornada cuando se concibió en 1939.

Mientras no se demuestre lo contrario, el propósito de quienes llevaron adelante el proyecto era entretener a la mayor parte del público, encuadrando tanto al mundo infantil como al adulto. De ahí que se echara mano de la fantasía, del terror, del exotismo, de la música, de los símbolos, del bien, del mal, de la familia, la amistad, el valor, el conocimiento…

De algunos de los valores que adornan al ser humano, pero en ningún caso hay mensajes ocultos como muchas opiniones declaran haber detectado. Estas afirmaciones de quienes se presentan como expertos, normalmente son producto de la impostura y el engaño a una sociedad que prefiere que todo se lo den hecho para poder aparentar que opina.

El caso más reciente que hemos visto por estas latitudes es el de los verificadores del desarme de ETA. Para empezar, ¿dónde se aprende a ser verificador; qué Escuela imparte ese título tan cercano al de mal actor según se ha visto en las imágenes televisivas? En el cine, y en el arte en general, ocurre lo mismo. De ahí que, ante tanta opinión, con visos de erudición, “El mago de Oz” se defina hoy en día como película de culto, que, en realidad, no sé lo que quiere decir y mucho me temo que tampoco lo sepan los que así la denominan.

Por otra parte, expertos en historia, en economía o en literatura, han examinado y analizado el film llegando a la conclusión de que no encuentran ningún significado político en la obra.

Que Oz es el nombre que el autor del libro original ideó para la localidad donde reside la inocente Dorothy, que se encuentra en los Estados Unidos no en ningún país lejano que otros cuentos utilizan, y que no hay que ver en estas dos letras el símbolo de onza como medida de peso del oro; que el hombre de hojalata, el león cobarde y el espantapájaros que la acompañan en su búsqueda de una vida mejor “en algún lugar sobre el arco iris”, donde ellos ven la posibilidad de encontrar el corazón, el valor y el cerebro de que carecen, como tantos y tantos seres que pueblan el mundo.

Por el camino amarillo piensan que será posible llegar hasta el mago que les implante las eficiencias de que adolecen, pero los caminos no son fáciles hasta lograr nuestras aspiraciones. Están llenos de peligros, de brujas y cuesta llegar hasta el fin.

La película está plagada de ejemplos,eso sí, a modo de moralejas, que los más pequeños asumen sin dificultad por la fantasía que los personajes derrochan, la simplicidad de los diálogos y la ayuda de unas canciones fáciles de asimilar y que, en su momento, posibilitaron a la película obtener el Óscar a la mejor música.

http://www.youtube.com/watch?v=PSZxmZmBfnU

“El mago de Oz” fue negro sobre blanco antes de convertirse en imágenes. Es un cuento, uno de los muchos escritos por Lyman Frank Baum, localizados en Oz.

La narrativa infantil y juvenil fue la especialidad de este escritor neoyorquino al que tantas veces se ha recurrido para llevar a cabo películas, series de televisión o versiones cinematográficas de su obra más famosa a partir de 1939 en que se convirtió en película.

Él había fallecido 20 años antes pero dejó un amplio legado que fue generosamente utilizado por quienes tuvieron acceso a lo conservado así como a realizar nuevas creaciones utilizando la base de Oz como tema argumental.

El próximo año se cumplirán 50 desde el estreno de la película “Sonrisas y lágrimas” en la que se narraban, según la visión de los cineastas que la llevaron a cabo, las peripecias vividas por la familia Trapp. Fue y es la más popular de las versiones que el cine desarrolló con respecto a la familia austriaca que evitó someterse a la anexión de su país con la Alemania hitleriana. Los datos de referencia fueron extraídos de la novela escrita por su auténtica protagonista, María von Trapp, “La historia de los cantantes de la familia Trapp”, pero contemplados desde la perspectiva cinematográfica con lo que cabe suponer lo mucho que de imaginación y fantasía pudo tener por parte del guionista. Auténtica o imaginativa, lo cierto es que el film –no apto para diabéticos dado su exceso de mermelada– fue acogido con enorme éxito del que se derivó la obtención de un Óscar como mejor película de aquel año, además de concedérsele el de mejor director, mejor montaje, mejor sonido y mejor banda sonora, sin olvidar otras varias candidaturas artísticas y técnicas.

La razón que hoy me lleva a recordar esta película que, por otra parte, nunca ha faltado a nuestra memoria dada la insistencia de sus múltiples repeticiones en las programaciones televisivas, y siempre acogidas con agrado a pesar de que somos capaces de conocer, casi, los diálogos y sobre todo las canciones, la razón, decía, es la noticia aparecida hace pocos días referida al fallecimiento, con 99 años, de María von Trapp, la última superviviente de aquella familia que tantos sollozos y alegrías provocó en las salas cinematográficas. Una de los siete hijos, la más pequeña, del capitán von Trapp sometidos a la disciplina educativa de la novicia contratada para llevar a cabo tal fin a la que posteriormente acabaría por unirse en matrimonio.

La que pensó un día convertirse en religiosa inculcó a los 7 niños la disciplina recomendada por el padre, pero a ello añadió sensibilizarles con la música, una descarga para el espíritu no demasiado bien vista en aquella casa tan parecida a un cuartel. Música que posteriormente les serviría como válvula para evadirse de la persecución nazi y también como medio de vida una vez instalados en Norteamérica a la que llegaron tras abandonar Austria. Concretamente la ciudad de Salzburgo, lugar de nacimiento de Mozart y entregada plenamente, entonces como hoy, a la música. Leer la prensa salzburguesa equivale a encontrar un aviso tras otro anunciando un concierto en cualquiera de los múltiples escenarios organizadores de ellos. Grandes orquestas, orquestas de cámara, coros, solistas… la oferta diaria es espectacular, sin contar con su famoso Festival anual que agrupa a todos los mejores intérpretes instrumentistas y vocales además del más selecto elenco de directores. Salzburgo es música que se respira en cualquiera de sus históricos rincones y es punto de llegada y encuentro para cualquier melómano.

En el ambiente salzburgués, Mozart, prodigio musical desde niño, está siempre presente como lo están los 7 niños de la familia Trapp cuya imagen tenemos presente en nuestra retina deletreando una de las canciones que su nurse les enseñó.

La canción, igual que el resto de la banda sonora de la película, ha sido interpretada por multitud de repartos en las versiones teatrales que se han hecho en todo el mundo, de la que España no ha estado ausente. Recuerdo con especial cariño, dada la admiración que tenía por su intérprete, la que protagonizó en Madrid la desaparecida Elder Barber. Como en otras varias ocasiones en que “Sonrisas y lágrimas” ha subido a los escenarios españoles, el éxito no la acompañó ya que eran épocas en que los espectáculos musicales no estaban tan de moda como lo están hoy en día. La película sí marcó hitos de taquilla, como ocurrió en los Estados Unidos donde, en su momento (hoy superado) batió récords históricos. En nuestros oídos están todos, sin que ninguno resulte extraño, todos los números musicales.

Las canciones siempre serán un motivo de reencuentro con la música de cine; no tanto el de la familia Trapp que pasa a formar parte de la historia que un día convulsionó Europa y que hoy se apaga por completo con la desaparición de su último miembro procedente de entonces ya que la saga familiar permanece.

No sé si los Bisbales los Bustamantes y similares tienen a alguien que les recuerde, como a los emperadores romanos, que son mortales. O, como la madrastra de Blancanieves, un espejo que les haga saber que existe alguien con mayor belleza y más méritos. No sé, ya digo, pero estos cantantes y muchos otros que se consideran (con razón, no vamos a negarlo) ídolos de multitudes y colmados de éxito, quizá desconozcan que a lo largo de la historia de la música ligera hay otros que no sólo les han igualado en fama (dejémoslo en popularidad) sino que les han superado. En tiempos, además, en que los medios no tenían la fuerza difusora de que disponen en estos momentos. Serían muchos, pero vamos a referirnos a uno, fallecido en el momento de mayor éxito: Luis Mariano. Su nombre fue idolatrado en vida y el recuerdo se mantiene para su persona como lo demuestra el que su tumba siempre permanezca cubierta de flores frescas. No se comportaba como un saltimbanqui dando saltos en los escenarios, no practicaba el griterío en el ejercicio de su actividad músico vocal, ni utilizaba su intimidad para verse destacado en los medios de difusión; se limitaba a cantar. Como es lógico en todo lo que sea de carácter artístico, a unos les desagradaría su estilo y su voz mientras que a otros les entusiasmaría, siendo éstos infinitamente superiores en número.

Se cumple este año el centenario de su nacimiento y ahora, que tan de moda está celebrar un Día dedicado a lo primero que se le ocurra a quién decida crear un Día conmemorativo y hasta un Año ídem, el crear el Año de Luis Mariano. Serían muchas personas, todavía, las que se apuntaran a esta celebración: “2014, Año de Luis Mariano”, como el anterior lo fue de Wagner o de Verdi.

Nacido unos metros más allá hubiera sido francés, pero lo hizo en Irún el 13 de Agosto de191, a este lado del Bidasoa, por lo que su nacionalidad fue la española y su patria chica la vasca, encuadrada aún en los límites del territorio español. Desde muy pequeño vivió en Francia, ya que su familia decidió instalarse en Burdeos cuando el futuro cantante contaba dos años. Un traslado de domicilio que apenas se prolongó durante seis años en que la familia optó por el retorno a sus orígenes. En ella estudia Luis Mariano Eusebio González destacando entre todas las facetas del conocimiento la pictórica para la que, además, demuestra grandes dotes, lo que le llevaría posteriormente a la Facultad de Bellas Artes, una vez que la familia se decide a probar suerte nuevamente en Burdeos. Allí se trasladan todos sus miembros ocupándose, previamente, la madre de Luis Mariano, de “corregir” la fecha de nacimiento de su hijo que la sitúa en 1920 con el objeto de que no fuera llamado para incorporarse al ejército en la contienda civil española. Había que colaborar en la economía doméstica y el incipiente artista tuvo participar en las faenas de la vendimia para obtener algunos ingresos. Trabajo y vida al aire libre donde ve favorecido el impulso por cantar.

Sus compañeros de trabajo, admirados por su voz, le animan a que perfeccione sus conocimientos musicales lo que le lleva a matricularse en el Conservatorio de Música de Burdeos. Descubre su capacidad como tenor y se dedica intensamente a la impostación de su voz, además de ocuparse de la dicción e interpretación con vistas al teatro. Para lograr algún recurso económico actúa en orquestinas, en galas comerciales y en cuantas ocasiones se le presentan para cantar. Entre ellas, dada la afición del pueblo vasco a la música coral, la integración en el coro Eresoinka (creado en 1937 por el gobierno vasco en el exilio) en el que también participaba Pepita Embil, la madre de Plácido Domingo. Origen este coro, por tanto, de voces famosas para la lírica española.

Las características en la voz de Luis Mariano le llevan al terreno de la ópera y es en ella donde inicia su actividad artística desde el plano profesional ya que en 1943 es contratado para interpretar “Don Pasquale”, de Donizetti. Aunque es un género que abandonaría, existen muestras de que pasó por él como queda patente en este “Tosca”.

También tuvo un acercamiento al mundo de la zarzuela, pero seguramente acertó al optar por la opereta de la que se convirtió en su mejor y más reconocido intérprete hasta ser calificado como el “Príncipe” de ella. También hay muestras de su paso por la zarzuela en este “No puede ser” de “La Tabernera del puerto” compuesta por otro vasco: Pablo Sorozábal.

La buena voluntad no se le puede negar a Luis Mariano, pero ni la ópera ni la zarzuela eran lo suyo. La opereta sí y de ello se dio cuenta un músico triunfador en Francia: Francis López, que le convirtió en protagonista de “La bella de Cádiz”. El éxito se convirtió en película y se escogió como pareja del cantante a Carmen Sevilla. En la versión teatral, el cantante se encargó, de dibujar los figurines, los carteles y los decorados pero, sobre todo, de poner la voz. Uno de los temas que cantaba –“María Luisa”– estaba dedicado a su hermana y constituyó una enorme aceptación, que todavía se mantiene, como se pudo comprobar en la venta de discos.

http://www.youtube.com/watch?v=h7urq8gPkpc El emparejamiento artístico entre Luis Mariano y Francis López, se mantuvo durante veinte años y dio origen a infinidad de títulos, pero al cantante se le emparejó, y artísticamente también, aunque muchas opiniones mediáticas se encargaron de difundir una posible relación amorosa, con Carmen Sevilla. Con ella hizo, además de “La bella de Cádiz”, “El sueño de Andalucía” y “Violetas imperiales”.

Ahí queda eso, para los más románticos. O para los que recuerden la canción surgida del receptor de radio a todo volumen para hacerse oír en todos los pisos de la casa a través del hueco del patio. O para el espontáneo de las bodas empeñado en hacer gala de su portentosa voz. O para el aspirante a la profesionalidad que la incluía en su repertorio en las galas de aficionados. O para los imitadores de Luis Mariano, que tuvo y creo que sigue teniendo, muchos. Los Bisbales y los Bustamantes no tienen imitadores declarados porque, a su vez, ellos imitan a otros que también suelen imitar. Falta originalidad. Falta talento. Y como Luis Mariano lo tenía y lo tenían quienes le componían las partituras, escribían los libretos y organizaban sus espectáculos, es por lo que en su carrera se sucedieron los éxitos. En ocasiones con cosas tan sencillas como una exclamación que compartió con otra estrella española absorbida por Francia: Gloria Lasso.

Ni los cantantes, ni el autor, ni el arreglista se complicaron la vida en exceso, pero el disco fue todo un acontecimiento. Seguramente por tener la oportunidad de escuchar juntos a dos figuras tan grandes de la canción. Otros temas de Luis Mariano –todos– tuvieron mayor categoría musical como el dedicado a doña Gregoria, su madre, por la que sentía auténtica devoción a pesar del carácter posesivo de ella manifestado por cuantos se han interesado por la biografía del cantante. Para él, la mejor y más bella del mundo.

Aunque no sean de contenido tan sentimental ni afectivo, detengámonos en otro de los títulos de mayor popularidad, elegido, como en el caso comentado anteriormente, por los aspirantes a vivir de la canción, los patios, la radio a todo volumen, etc. Pertenece a la película “El cantor de México”, porque muchos de sus éxitos teatrales fueron trasladados al cine -21 películas en total- y de ellos surgieron canciones que con carácter independiente alcanzaron la popularidad.

En otros casos, al margen de las canciones procedentes de espectáculos o películas, Luis Mariano recurrió al repertorio de temas populares grabando gran cantidad de ellos. Por ejemplo “Dos cruces” que tantas versiones ha conocido en las más importantes voces universales. En este caso es una especie de homenaje a la tierra ya que el autor es, nuevamente, un vasco: Carmelo Larrea al que también debemos otros títulos tan entrañables como “Camino verde” o “No te puedo querer”

Con canciones popularizadas en otras voces o con las creadas por él, a las que en muchos casos puso letra, Luis Mariano trasmitió sobre todo alegría. Fue, a la vez, ídolo de personas mayores y de jóvenes. En España, aun siendo su país, apenas hubo ocasiones de verle sobre los escenarios, aunque fue frecuente su presencia en las emisoras de radio y en la televisión. Sus trabajos escénicos se limitaron a su país de acogida que fue Francia que, como siempre que alguien de fuera destaca en el país vecino, se apropia de su identidad y le otorga nacionalidad gala. Luis Mariano nunca renunció a la suya y se consideró vasco en todo momento. Vasco de España, aunque la suerte y la fortuna las buscara y encontrara al otro lado de los Pirineos.

El cantante tenía, por otra parte, la cualidad de ser polifacético. A sus cualidades canoras unía las pictóricas, que desarrolló en la decoración y el vestuario de sus espectáculos, y las literarias lo que en varias ocasiones le llevó al mundo editorial. En 1950 dio a conocer su primera novela, “La canción de mi vida” y posteriormente títulos como “Mi vida y mis amores”, “Llamas”, “El zarevich” y “Los caballeros del cielo”. Toda una intensa labor creativa que acabó por minar su delicada salud. El cansancio ocasionado por una hepatitis viral le llevó a abandonar “La carabela de oro”, el espectáculo que representaba en el teatro Châtelet, el mismo que en diferentes momentos cedió su escenario a Diaghilev y los ballets rusos, a Tchaikovsky, a Mahler, a Strauss o a Stravinsky para estrenar “Petrouchka”. Poco tiempo después de abandonar la escena, la vida también abandonó a Luis Mariano. Queda su recuerdo y con él, la posibilidad de que, con motivo de celebrarse el centenario de su nacimiento, alguien decida conmemorar este 2014 como su Año. El Año de Luis Mariano.